No nos engañemos, Van Helsing's Curse, el proyecto de Snider, no es precisamente revolucionario. Sin ir más lejos, eso de mezclar instrumentos de rock y de orquesta clásica para interpretar conocidas tonadillas al hilo de una historia de corte fantástico es lo que hacen Trans-Siberian Orchestra todas las Navidades en Estados Unidos. De hecho, lejos de la casualidad, Trans-Siberian Orchestra es el espejo en el que se mira Van Helsing's Curse, merced a contar incluso con varios de sus músicos más representativos, reconvertir toda la imaginería navideña por otra más propia de Halloween y, en definitiva, acercarse a un tipo de público que poco tiene que ver con las bandas originales de sus artífices. Si bien Trans-Siberian Orchestra se ha convertido en su país en todo un referente en cuanto a musicales navideños se refiere, ignorando buena parte su público familiar que no es sino el proyecto de éxito de un grupo tan underground como Savatage, Van Helsing's Curse opera en círculos más pequeños, ya sea por su estrambótica puesta en escena o por el mero hecho de contar con la reconocida gallina caponata de Twisted Sister al frente.

Ahora, prácticamente regalado para su club de fans y no disponible de ninguna otra manera, llega a mis manos la demostración en forma de DVD de lo que supone una actuación en directo de Van Helsing's Curse en las breves giras que sólo realiza la banda en fechas de Halloween. Musicalmente, la representación sigue la pauta del que fuera su CD hace unos años, Oculus Infernum, si bien con algunos nuevos interludios. Es curioso como quien más sobra sigue siendo el propio Snider, que ejerce de narrador para una historieta anecdótica y algo ridícula relacionada con la familia Van Helsing (en este aspecto se encuentran a años luz de Trans-Siberian Orchestra), innecesaria para un proyecto instrumental como éste. Sigue siendo divertido jugar a reconocer las piezas clásicas que se esconden detrás de cada uno de los títulos de los temas, aunque habría sido mejor si ellos mismos lo hubiesen indicado ya que, al fin y al cabo, estamos hablando de un proyecto de "versiones" aunque nunca se indique como tal. No hay que ser, desde luego, un experto en música clásica para reconocer la sonata Claro De Luna de Beethoven, Una Noche En El Monte Pelado de Mussorgsky, la Marcha Fúnebre de Chopin, El Pájaro De Fuego y La Consagración De La Primavera de Stravinsky, Marte, El Portador De La Guerra de la suite de Los Planetas de Holst o la sobadísima O Fortuna del Carmina Burana de Orff. Al menos son ésas las que yo pillo. Igual de curiosas y reconocibles son las dos piezas más cinematográficas, Ave Satani de La Profecía y la relacionada con El Exorcista, Tubular Bells (aquí apropiadamente retitulada Tubular Hell), o una interpretación coral de Black Sabbath muy superior a la mayoría de versiones que suelen realizarse del tema de Iommi y compañía.

Pero lo más sorprendente, desde mi perspectiva, es que alguien como yo no sólo lo soporte, sino que sea capaz de disfrutarlo. No hay que dejarse engañar por las pintas de rockerillos góticos de los de ahora (eh, ser "gótico", antes era otra cosa... ¿cuándo cambió la definición?), y es fácil ver que todo su espectáculo gira en torno al desenfado y a no tomarse demasiado en serio. Al fin y al cabo, Van Helsing's Curse, lejos de la oscuridad aguada de ciertos grupos (para terrorífico, Snider ya legó a la Historia los primerísimos planos del grupo en el vídeo de Hot Love), no es más que la constatación festiva y desvergonzada que merece una celebración como Halloween. Para comprobarlo no hay más que ver a Denny Colt dando saltitos con una sonrisa de oreja a oreja o los continuos ataques epilépticos del pianista Doug Katsaros, entregado a su papel en todo momento. Mark Wood, violinista principal y verdadero protagonista de la función, ya no me sorprende tanto de esta guisa, puesto que ya me dejó anonadado con su primer disco en solitario, un Voodoo Violince que merecería un artículo para él solo y que, desde que lo descubrí hace años, no me dejó lugar a dudas de que me encontraba ante una de las obras cumbres del garrulismo instrumental. Es una pena que Al Pitrelli, guitarrista original del proyecto y antiguo compañero de Snider en Widowmaker, al que presupongo más interesado en tocar con su mujer en una banda tan ecléctica como O'2L, no haya llegado a participar nunca en vivo con Van Helsing's Curse, puesto que en las partes que interpreta Karl Cochran se nota en todo momento la mano de Pitrelli.

Y, lo mejor, el tema de La Familia Monster como fin de fiesta, despedida y cierre. Es lo que tocaba.

¿Existe ese universo feérico que parece ver sólo la niña Ofelia? Al igual que en El Espinazo, hay una única escena que no parece poder explicarse de ninguna otra manera que no sea recurriendo al elemento mágico. Y todo ese mundo onírico no parece otra cosa que la transposición de la cruda posguerra española, no una simple vía de escape fantasiosa para Ofelia, que recrea a su manera y sin la falta de imaginación de los adultos sus propios temores atávicos. Gran parte de la carga de lo fantástico recae sobre Doug Jones, que vuelve a ofrecer una gran actuación de expresión corporal tanto en su papel de Fauno como, sobre todo, en el del terrorífico Hombre Pálido, mientras que en el plano real Sergi López se convierte en el verdadero horror para el espectador. Quiero entender que el esquema ideológico, pese a retratar una realidad muy concreta, se encuentra representado de forma tan simplista (personajes netamente buenos o malos dependiendo del bando al que pertenezcan) para acentuar el contraste constante que sirve de motor a toda la historia. Por encima de todo creo ver de nuevo el tema de la libre elección individual, en cuanto a que la escena final del doctor que interpreta Álex Angulo se antoja crucial en ese desarrollo icónico de los distintos personajes. Mismo eje central que Del Toro colocó en Hellboy, pero mucho más estremecedor porque no dudo que monstruos como el capitán Vidal existan realmente. Es por eso por lo que pasé tan mal rato, de principio a fin, con el cuento para mayores (en las propias palabras de su director/guionista, "esto no es Harry Potter ni cojones") que supone El Laberinto Del Fauno. Y que vengan más malos ratos como éste.

Así que YouTube me borra uno de mis montajes de intros de Gundam con su canción de Richie Kotzen correspondiente y me pone sobre aviso de que estaba violando la Digital Millennium Copyright Act, ese rollo patatero en forma de ley que se montaron algunos interesados mandamases norteamericanos para criminalizar todo lo posible los medios de distribución P2P y similares. Me lo tengo merecido, claro, por estar defendiendo siempre los derechos de autor, que luego encima parece que uno se pase el día comiendo con Teddy Bautista.

Así que no pasa nada, señores de YouTube, seguiremos siendo amiguitos, pero me llevo el resto de intros de Gundam/Kotzen para colgarlas a otro servidor similar, que no quiero un vídeo colgado allí y otro allá, no sea que vaya a desatárseme algún tipo de trastorno obsesivo-compulsivo al ver desigualdades en el post para que el que precisamente las creé.

Si algo echaré de menos, debo reconocerlo, es que no pasaba un sólo día, ni uno sólo, sin recibir algún mensaje privado preguntándome por Gundam y/o la música de Kotzen, lo que me ha permitido tener conversaciones extravagantes que nunca habría imaginado con todo tipo de gente.

Y, en esta situación, la Warner se saca de la manga la versión televisiva de Legion Of Super Heroes, marcada por los precedentes del éxito de recientes adaptaciones de material DC como Teen Titans, The Batman o la más desapercibida Krypto The Superdog que se apartan del "timmverso" continuista que interrelacionaba ya siete (u ocho, o nueve, según como se mire) series. LOSH cuenta con la virtud de fundamentar su carácter sobre lo mejor de las anteriores franquicias: un diseño sintético que, sin embargo, evita las escenas super deformed y otras influencias anime de Teen Titans tanto como el enfoque de cartoon más tradicional que tuvo Krypto, al tiempo que se hace cargo de la fluidez que domina la animación de The Batman. En realidad, nada que sorprenda demasiado teniendo a James Tucker y Linda Steiner, dos habituales de varios de los anteriores títulos, al frente de la producción.

La serie, seguramente, incurrirá en la ira de los habituales del cómic por sus licencias artísticas y la simplificación de las historias, como ocurrió hace casi quince años con Batman The Animated Series, máxime cuando no han tardado en oírse quejas y comentarios de "no se parecen" y "qué feos" nada más hacerse públicos los diseños preliminares. Lo cierto es que, sin pretenderlo, me he olvidado de a quién va dirigido esto y he disfrutado del primer episodio de LOSH, emitido este mismo fin de semana dentro de la presentación del contenedor Kids' WB! del nuevo canal norteamericano The CW. Y el resto del fandom clásico también debería disfrutarla, aunque sólo sea cuando empiece a reconocer las referencias pre-Crisis, como el Museo de Superman o las tradicionales ropas de calle de Clark Kent, cuando descubra al fondo a Booster Gold con Skeets y a algunos de los alienígenas clásicos de Nueva Metrópolis que tan bien ha recreado Derrick Wyatt o, lo mejor para mí, cuando de comienzo el desfile de las insignias de los distintos Legionarios de los cómics durante la intro aunque, probablemente, como guiño que es, muchos de ellos no estén planeados para aparecer en la serie por ahora. De todas formas, se menciona a Violeta, a Coloso y a Cósmico durante el episodio y se ve a varios otros en el metraje creado especialmente para la intro, así que nunca se sabe...

Por lo demás, este primer episodio muestra a un joven Clark Kent inseguro de sus poderes que supongo nunca es llamado Superboy por los actuales problemas legales con el personaje (la serie iba a llamarse en un principio Superboy And The Legion Of Super-Heroes) y que se reafirma como Superman al final del mismo, tras ayudar a derrotar a los Cinco Fatales (Validus está impresionante en forma animada) y empezar a sentirse a gusto en el siglo XXXI.

Por mucho más que lo aquí explicado, LOSH no sólo parece triunfar desde el principio donde Teen Titans y The Batman me dejaron frío sino que, aunque Kids' WB! estime el límite de edad de su público en once años, la serie tiene potencial para atraer a niños un poco más mayores que los habituales de las otras dos. Como yo, vamos.

Si acudí el día del estreno fue más que nada por conocer como lector las novelitas del personaje creado por Arturo Pérez-Reverte, que de entre su bibliografía probablemente sean en las que su prosa homenajeadora se encuentre más a gusto. Si el propio Pérez-Reverte rinde tributo con esta obra de lectura rápida, ágil y amena a las novelas de aventuras y espadachines que devoraba de joven, la adaptación cinematográfica perpetrada por Agustín Díaz Yanes se encuentra a años luz de alcanzar a cualquier otra película del género, resultando totalmente opuesta al espíritu original: larga, dificultosa, inconexa, aburrida, insufrible.

No es sólo que Alatriste sea incomprensible si no se han leído las novelas (y luego decían del Dune de Lynch...), baste señalar chapuzas de montaje y edición como la escena de la caza del ciervo, donde cada plano del animal (que, por supuesto, nunca se ve junto a los actores) tiene hasta otro tono de fotografía, como si de un documental de Rodríguez de la Fuente lo hubiesen tomado prestado. Atención también a ese momento que hemos visto tanto en los trailers, y que tan bien quedaba allí, donde Alatriste arroja su sombrero hacia la cámara, pero que dentro del contexto de la escena, junto al otro del movimiento de capa que tapa el objetivo por momentos, se convierten en detalles que Díaz Yanes parece haber metido con calzador, en plan "joder, cómo molo". Y hay más cosas de este tipo...

En cambio, lo que no hay en absoluto es estructura formal, ritmo narrativo ni elipsis con un mínimo de corrección a lo largo de las dos horas y media que dura la película, sólo una agrupación de momentos de las novelas, uno detrás de otro, sin profundizar para nada en personajes o situaciones y, de paso, mareando al espectador. Me parece un error no haber doblado la voz de Viggo Mortensen, que sólo da el pego para el capitán Alatriste en lo físico, porque en cuanto abre la boca... hay veces que lo suyo parece la cantinela de un borrachín y otras en las que es simplemente un extranjero perdido en Madrid. Los pobres hobbits sí que habrían temido por su misión si Trancos les hubiese hablado así por primera vez. Lo bueno es que de esta manera no sobresale demasiado su interpretación entre autómatas profesionales de la talla de Eduardo Noriega o Unax Ugalde (cuyo personaje, por cierto, no tiene razón de ser si no va a ser el narrador de la historia ni los ojos del espectador) o los declamadores habituales del cine español, a destacar esa Ariadna Gil a la que sólo le falta el guión en la mano o un Juan Echanove disfrazado de Quevedo. Y la decisión de tener a Blanca Portillo en el papel del terrorífico (aquí risible desde el primer momento) fray Emilio Bocanegra es de las que pasarán a la historia del cine, por absurda y descabellada.

Siempre me esfuerzo en buscar el lado positivo, o al menos de equilibrar el conjunto, y así lo he hecho otras veces aquí, pero lo de Alatriste no hay por dónde cogerlo. Me parecería faltar a la inteligencia del espectador (como dije al principio, de eso ya se encarga la propia película) tener que matizar que nos hallamos ante una producción de época correctamente ambientada y recreada. Como si fuéramos tontos y tuviésemos también nosotros, el público, que darnos palmaditas en la espalda, felicitándonos, que aquí no ha pasado nada, hoy paz y mañana gloria, y luego ya veremos. Que somos unos cracks y cuando queremos lo hacemos como los mejores, que es un peliculón, que qué bonito es el vestuario, felicidades. Como las palmaditas en la espalda de buena parte de la crítica, intentando siempre ser lo más políticamente correcta posible con estos truños gurruños tan nuestros. Y mientras, Pérez-Reverte criticando día sí y día también la España de pandereta, hipocresía y puñalada trapera. No entiendo nada.

Lo curioso de Doctorin' The Tardis, el tema en cuestión, es que llegó a número 1 en Inglaterra en 1988, además de alcanzar altas posiciones en las listas de venta de otros varios países. Para su lanzamiento, el dúo hasta entonces conocido como The Justified Ancients of Mu Mu adoptaron el nombre de The Timelords, en referencia a la raza alienígena a la que pertenece el Doctor, y crearon su primera mascota, Ford Timelord, un viejo Ford Galaxie que desde la portada del single dejaba las cosas claras: "Hi! I'm Ford Timelord. I'm a car and I've made a record".

Mientras era machacado por la crítica musical del momento, Doctorin' The Tardis alcanzaba el máximo puesto en singles con sus samples de la música de Doctor Who mezclados con riffs de Gary Glitter y de Sweet. Casi nada.

Antes, conviene repasar el tema musical de Doctor Who, ya puestos, en la versión original de Delia Derbyshire.

Huelga decir porqué Doctorin' The Tardis, con unos daleks de fabricación casera que, esta vez más justificadamente que nunca, juran y perjuran la exterminación mientras el Ford Timelord juega con ellos a los autos de choque, debería ser recordado por siempre jamás.

El caso es que esta... llamémosla sana costumbre a partir de ahora... me lleva, entre otras cosas, a intentar recordar cualquier dirección de Internet que considere pueda ser de interés en el futuro. A veces son largas o raras, pero son años de práctica en la materia y siempre busco un hueco dentro de la cabeza para estas cosas. Siendo pequeño, me marcó leer en Estudio En Escarlata una serie de ejemplos que Sherlock Holmes exponía acerca de la memoria, equiparándola a un cuartito vacío en el que no cabe todo y cuyo contenido debemos seleccionar. Él era (y seguirá siendo) un personaje excéntrico con quien no tengo nada que ver, pero aquello que explicaba era una gran verdad. Mi otra diferencia con Holmes es que muchas de las cosas que guardo en la cabeza (como los URLs) no tienen ningún propósito funcional. Ninguno. Es una manía. En mi mundo perfecto no existen bookmarks.

Como ya llevo un tiempo con Ylum me he decidido a ordenar esta especie de casa que es el blog y he añadido un blogroll con los sitios personales que visito habitualmente. Hay más, pero estos son los que ojeo casi a diario. En unos participo más, en otros menos (más que nada por no tener mucho que aportar de mi parte), pero todos me interesan. Los hay de gente que me han apoyado desde el principio y antes de empezar esto, los hay que he conocido desde hace poco pero me parecen entretenidos, los hay de gente que simplemente me gusta leer e incluso los hay que me interesan lo que cuentan tanto en su blog como fuera de él. Y seguro que me dejo alguno, pero ya iré poniéndolos, que una cosa es que me acuerde de las direcciones y otra que me acuerde de forma ordenada...

Ya señalé que uno de los mejores momentos llega en el tema que da título al disco, Ai Senshi, de la segunda película recopilatoria del Gundam original, pese a su rollo "excursionista". Compuesto por Yoshiyuki Tomino, el propio creador y director de Gundam, bajo su pseudónimo Rin Iogi, como hacía habitualmente en estos menesteres musicales, pienso que el tema va más allá de las típicas canciones de anime de la época. Y lo mismo digo de la interpretación de Daisuke Inoue.

Casi un cuarto de siglo después, la versión de Richie Kotzen no necesita actualización, si bien la letra ha sufrido la pertinente adaptación. Aún así, Soldiers Of Sorrow ha sido de las menos retocadas en general.

Lo mismo se puede decir de Meguriai, de la tercera película, otro de los temas que no tienen por qué sonar exclusiva y necesariamente a canción de dibujos animados.

Aunque fiel de nuevo a la composición original, Encounter se adapta a las pautas instrumentales de Kotzen. Sustituir el segmento instrumental intermedio por un solo de guitarra se podría ver como una simplificación, pero no creo que sea más que la elección lógica para el tipo de músico encargado de la versión.

El caso opuesto sería, en cambio, Kaze Ni Hitori De, también de la segunda película, que sólo parece ser tomada como referencia de base a partir de la que estructurar otra canción.

Kotzen lo transforma a su gusto, haciendo recaer el peso del tema en la guitarra acústica, eliminando percusión y armónica y, en definitiva, modificando los arreglos en general. Especialmente notable es la diferencia sustancial en la línea melódica principal. Alone Against The Wind es un tema prácticamente nuevo o, por lo menos, renovado. Por mí perfecto, que de eso se trata.

Uno de los temas que más me costaba de imaginar cómo podía quedar era Z, Toki Wo Koete, del primer opening de Z Gundam. El tema es bastante popular dentro del mundillo del anime, y me parecía difícil sacarlo de lo que a priori supone un cierto encasillamiento.

Sin embargo, Go Beyond The Time sale perfectamente airoso de la prueba. Cuenta, eso sí, con más partes de guitarra solista pero, de nuevo, era de esperar. Kotzen se hace con el tema sin apartarse en ningún momento de sus formas clásicas. Quien quiera algo más moderno siempre puede recurrir a la versión de Saeko Shimazu, la seiyuu de Four Murasame en la serie.

Mizu No Hoshi E Ai Wo Komete, del segundo opening de Z Gundam, es otro de esos clásicos de la época dorada del anime. Como tal, cuenta con su obligada y psicotrópica versión Para-Para MAX, e incluso una reciente de Mikuni Shimokawa realizada con gracia "minimalista". Por decir algo no demasiado feo, claro

El cover de Kotzen es uno de los temas del disco que podría pasar por propio. No en vano es el elegido para abrir el álbum, y quién no sepa de qué va la cosa no tiene por qué notar nada extraño. No es tan curioso que lo que sería la traducción literal del título (Desde Una Estrella Acuosa Con Amor), dentro de la más pura tradición japonesa de nombres rebuscados, se haya reducido a Blue Star, y va que chuta. Estoy contigo, Richie.

Puestos a escoger un tema de Gundam 0083, yo habría preferido Men Of Destiny de MIQ cuando aún se hacía llamar MIO (esta gente es rebuscada, insisto), el opening de la segunda mitad de la serie antes que este The Winner de la primera. Lo digo porque Men Of Destiny es uno de mis temas favoritos de la discografía gundamera, posiblemente debido a que me recuerda, en una de esas extrañas conexiones mentales que a veces establezco, a canciones de Lion como Victims Of Circumstance o Hold On. En fin, cosas mías. ¡Versión de Kal Swan ya!

De The Winner ya existía una versión completamente en inglés. Da igual, ahora ya hay otra más, la de Richie Kotzen, con nueva letra también, claro. De todas formas, a cualquier purista se le quitarán las gans de quejarse en el momento que descubra la versión coreana del opening.

1. Native tongue.

La elección me gusta por motivos personales, pero no deja de ser una marcianada. Hasta donde sé, poner a Richie Kotzen al frente de lo que supone el primer disco no-japonés de Gundam no es más que una decisión de la BMG en busca del mayoritario público femenino que arrastra la saga en su país de origen. "A ver... ¿a quién ponemos para hacer otro disco de Gundam, esta vez en inglés? Tiene que ser alguien que cuente con muchas seguidoras, que el target de la serie es femenino..." "Con el Kotzen éste se les hace el chochillo agua, y además vende...". "Pues yastá".

¡Richie Kotzen teniendo cifras de venta importantes, y en una multinacional! ¡Arrastrando público femenino! ¡Apareciendo en programas de la tele! El mundo al revés, vamos. Japón, por lo visto, es como una especie de dimensión alternativa a nuestra realidad en la que ocurre justo lo contrario que en el resto del planeta.

De guitar hero de lo absurdo a componer un gran hit en Japón con Mr. Big que pronto se utilizaría en Hellsing, la carrera musical de Kotzen pasó entre medias por todo tipo de estadios: un breve episodio de fama con el glam/party/hair metal de unos Poison que él volvió un poco más serios, el funk, lo retro a su manera, algo de jazz, de soul, la fusión estilizada, una imagen de pop macarril o, simplemente, actitudes que daban mucha vergüenza. A finales de los noventa pareció instalarse a ratos en cierto sonido, y por mí que pase más tiempo ahí (o en Vertú). Y que yo lo disfrute.

2. Moeagare Gandamu!

Inesperado para propios y extraños, Ai Senshi ZxR, el álbum en cuestión de Richie Kotzen, puede ser apreciado desconociendo el material de origen. Funciona como cualquier otro trabajo del guitarrista; incluso la participación de Billy Sheehan, su ex-compañero de Mr. Big, acrecienta la sensación de estar ante un disco habitual. No creo que a quien no se lo digan note que son canciones de dibujos animados. De hecho, las tres composiciones propias incluídas no desentonan del conjunto, sobre todo cuando Re-Encounter y The Beginning tienen pequeños guiños a Encounter, la versión de Meguriai de la tercera película del Gundam original. Lo que chirría ligeramente, en cambio, es el par de temas compuestos por Gackt para la reciente recopilación cinematográfica de Z Gundam, un rock más moderno (me niego a utilizar términos tan estúpidos como j-pop o j-rock, como si de estilos propios se tratasen) que contrasta con el clasicismo del resto, aun habiendo cierta unificación a lo largo del disco. Aparte que a mí Gackt ni me ni va me viene... Pero no hay que engañarse, esas dos canciones están ahí para promocionar el DVD de la primera de las nuevas películas de Z Gundam, del mismo modo que The Winner lo está para hacer lo propio con el nuevo boxset remasterizado de Gundam 0083.

El resto apela directamente a la nostalgia del público japonés hacia las series más queridas del Universal Century: Z Gundam y el primer Gundam. De éste destaca Soldiers Of Sorrow, el tema título del álbum, convertido en una canción digna de campamento, más aún que la original de Daisuke Inoue o, como mínimo, de cantarse en el autobús de las excursiones. Sólo faltan palmas en el estribillo. Con todo, memorable. Lo curioso es que en este tema iba a participar Cyndi Lauper, supongo que para terminar de rematar la sensación de paquete bomba, pero como ella misma explica dentro del disco, la Lauper prefiere hacer sus propios covers de Gundam en el futuro. Ver para creer, qué mundo tan loco.

Mención aparte merece Tobe! Gundam, aquí Take Flight Gundam, tonadilla obligada en cualquier recopilación de robots que se precie y que el señor Kotzen salva como puede, tarea nada fácil dado el rotundo sentido festivo que tienen las canciones de anime setentero. Sobre todo porque con la letra poco se puede hacer, por mucho que se intente adaptar. Esta es una de las cosas que tengo entendida que más ha disgustado a los puristas gundameros, la excesiva "normalización" en general que tienen las letras de los temas, ya que no sólo las partes japonesas han sido traducidas/adaptadas, sino que también las partes que estaban en inglés (es habitual en el pop y el rock de allí alternar japonés con inglés en una misma canción) se han cambiado. Pero claro, sólo un purista puede reivindicar el Engrish que gastan habitualmente en Japón.